Espetáculo gratuito resgata legado de Dalva de Oliveira

Foto: João Caldas/divulgação

Memórias de Renato Borghi cruzam o caminho da artista nos palcos

Um sensível resgate histórico e passional da cultura brasileira. O espetáculo "Minha Estrela Dalva", idealizado e escrito pelo renomado ator e dramaturgo Renato Borghi, estreia nesta quinta-feira (18), no Teatro do SESI-SP, na Avenida Paulista, costurando memórias de infância. 

O musical faz uma profunda reverência à trajetória de Dalva de Oliveira, uma das maiores e mais arrebatadoras vozes do cancioneiro nacional.

​A semente da produção germinou quando Borghi tinha apenas seis anos de idade e foi impactado pela voz de Dalva, na trilha sonora da animação Branca de Neve. O encanto inicial na vitrola de infância converteu-se em um amor incondicional, que atravessou décadas, palcos e revoluções estéticas. Agora, esse elo afetivo ganha corpo e voz, sob a direção refinada de Elias Andreato.

​A montagem propõe uma engenhosa dinâmica cênica, na qual o ator divide o palco com sua própria juventude, interpretada por Elcio Nogueira Seixas, que dá vida ao Renato de 1969 — um jovem artista imerso na efervescência da contracultura e na rebeldia do Teatro Oficina, descobrindo em Dalva a alma profunda do Brasil. 

A icônica "Rainha do Rádio" é encarnada por Soraya Ravenle, que curiosamente iniciou sua carreira no coro de um musical sobre Dalva, em 1987, e hoje retorna para ocupar o centro do palco, traduzindo com potência vocal e sensibilidade a dor e o pioneirismo de uma mulher que desafiou os moralismos de sua época.

​"Ver Renato se confrontar com sua própria história em cena é testemunhar um dos gestos mais íntimos e corajosos do teatro", destaca o diretor Elias Andreato sobre a simbiose poética da obra.

​Completando o triângulo central da narrativa, o ator Ivan Vellame empresta sua voz para interpretar os amores de Dalva, com especial destaque para o compositor Herivelto Martins. A costura musical reaviva sambas imortais e coloca em evidência os conflitos artísticos e midiáticos que ditaram a era de ouro do rádio.  

 Além de celebrar os grandes ícones da arte nacional, o espetáculo joga luz sobre o papel histórico de Dalva como uma mulher senhora de si, em um momento em que o feminismo começava a se consolidar como movimento social.

SERVIÇO

“Minha Estrela Dalva”

Centro Cultural Fiesp | Teatro do SESI-SP – Avenida Paulista, 1313 (em frente à estação Trianon-Masp)

Temporada: até 12/07

Sessões: Quinta a sábado, às 20h, e domingo, às 19h

Classificação etária: 14 anos

Duração: 90 minutos

Acessibilidade sempre aos sábados e domingos, com intérprete de Libras e audiodescrição.

Ingressos gratuitos. Reservas pelo site http://www.sesisp.org.br/eventos

Projeto da Mullet Monster Mafia, Grotta lança álbum em tempo recorde

Fotos: Jean Novaes (divulgação)

Nascida de encontros informais e gravada logo após o Psycho Carnival, banda de Piracicaba lança "Tomorrow Comes Today" no streaming e planeja turnê europeia.

A cena do rock underground ganha um reforço de peso com o lançamento oficial de "Tomorrow Comes Today", o álbum de estreia da banda Grotta. Natural de Piracicaba (SP), o power trio surge como um projeto derivado da aclamada The Mullet Monster Mafia — atual referência global no surf punk —, mas com uma proposta sonora inteiramente voltada às vertentes mais cruas e velozes do underground.

O trabalho reúne oito faixas enxutas que resgatam a essência do skate punk, hardcore, crossover e thrashcore. De acordo com o baterista Neri, a concepção do grupo ocorreu de forma totalmente espontânea no início de 2026, durante uma audição despretensiosa de discos clássicos de bandas como Gang Green, Agent Orange e Bad Brains, na casa do guitarrista e vocalista Verme. O impulso criativo foi imediato: Verme pegou o violão, Netão assumiu o baixo para estruturar as primeiras bases e Neri ditou o ritmo improvisando batidas na mesa.

Urgência 

O que começou como um registro informal rapidamente tomou proporções de um álbum completo. Após ouvirem as primeiras maquetes gravadas de forma caseira no celular, durante o festival Psycho Carnival, em Curitiba, os integrantes perceberam o potencial do repertório. Sem perder tempo, entraram em contato com o produtor Rodrigo "Bigga" Binatto, do Soul de Pira Studios (Piracicaba), e aproveitaram dois dias livres na agenda para imortalizar as canções.

"Quando acabou o Psycho Carnival, a gente foi para o estúdio e gravou o disco. Metemos as oito músicas, desenvolvemos uns arranjos básicos ali e gravamos tudo rapidamente", afirma Neri.

A gravação preservou fielmente a urgência e o espírito old school do projeto. Com arranjos simples costurados no próprio calor da sessão, o som destaca a guitarra e o vocal rústicos de Verme, as linhas marcantes de baixo e voz de Netão, e a precisão de Neri na bateria e nos backing vocals.

Crítica social

Aceleradas e sem rodeios, as músicas servem de base para letras que fogem de narrativas longas para apostar em frases diretas e refrões de forte impacto. O conteúdo lírico reflete o cotidiano, abordando temas densos como a tensão urbana, o desgaste político, os ruídos sociais, a incerteza, o medo e a resistência diária perante a passagem do tempo — temáticas intrínsecas à tradição contestadora do punk.

Além de já estar disponível nas plataformas digitais e na página oficial do Bandcamp, Tomorrow Comes Today ganhará uma edição física especial em vinil de 12 polegadas. O lançamento analógico é fruto de um esforço conjunto via consórcio independente, operado por cinco selos especializados: Trashout Records (Alemanha), Orleone Records (Europa), Redlightz Records (Curitiba), Tupunk Records (Marília) e Under Shows (São Paulo).

 Próximos passos

Com o disco na rua, a Grotta já planeja a sua transição para os shows. Segundo o cronograma da banda, o mês de agosto reserva as primeiras atividades ao vivo em solo nacional. O período coincide com a vinda de Neri ao Brasil para a produção do Lucky Friends Rodeo, festival de cultura custom que acontece nos dias 5 e 6 de setembro, em Sorocaba.

Logo na sequência, em novembro, os horizontes da banda se expandem com uma mini-turnê promocional já prevista na Europa, consolidando o alcance internacional do trio.

YAGÔ abre ala do álbum "Menestrel" com o single "Nádegas"

 

Foto: Larissa Cristina (divulgação)

Da Jamaica brasileira ao pop futurista, o cantor e compositor YAGÔ inicia o capítulo mais ambicioso de sua carreira: já está nas plataformas digitais o single “Nádegas”, faixa de abertura que serve como cartão de visitas para o seu próximo álbum de estúdio, batizado de Menestrel.

Produzida por Anselmo dos Reis, a nova música não é apenas um lançamento isolado. Trata-se de uma reinvenção estética. YAGÔ funde a espinha dorsal do dub roots tradicional com texturas eletrônicas e uma roupagem pop contemporânea, bebendo diretamente da fonte territorial de São Luís do Maranhão, a terra natal do artista, cuja identidade foi forjada no balanço das radiolas e na cultura do reggae. O resultado é um som essencialmente tropical e orgânico, desenhado tanto para a contemplação quanto para o clássico dançar "colado", que define as pistas maranhenses.

Volúpia musical

Longe de clichês, “Nádegas” utiliza a atmosfera relaxante do reggae para construir uma narrativa sensorial sobre o cotidiano, o afeto e a liberdade dos corpos. Sob as lentes da direção de arte que acompanha a atual era do artista, o projeto exala um clima naturalista e sensual.

De acordo com o cantor, o álbum Menestrel foi desenhado para expandir as fronteiras da música preta sob uma ótica intimista e espiritual, profundamente conectada às vivências em São Luís. Em 2026, YAGÔ defende o reggae não como um artefato intocável do passado, mas como uma cultura viva, fluida e totalmente integrada ao pop alternativo nacional.

Maturidade

Embora o nome YAGÔ surja com o frescor de uma novidade de mercado, o artista é uma figura carimbada e respeitada na engrenagem da cena independente nordestina. Na década de 2010, ele circulava sob a alcunha de Yhago Sebaz, período no qual colocou na rua os elogiados discos #NegoBeats (2014) e Meio Amargo (2019).

A transição para a nova identidade artística reflete sua maturidade de estúdio e de palco. Agora, com mais bagagem, o cantor amarra corpo, som e imagem em uma narrativa contínua e sem arestas.

O single já pode ser ouvido em todos os serviços de streaming de áudio.

Hino doloroso de Amy Winehouse volta a explodir no streaming

 

Foto: reprodução/redes sociais

Mais de uma década após a partida de Amy Winehouse, a dolorosa e magnética “Back to Black” garantiu o retorno da cantora britânica ao Hot 100 da Billboard Brasil, alcançando a 44ª posição. Além de provar que o luto poético da artista é atemporal, o feito coincide com o sucesso da faixa no streaming — caminha a passos largos para bater a marca histórica de 1 bilhão de reproduções no Spotify — e com o interesse renovado pela cinebiografia homônima, que reconta os passos da estrela britânica.

Mais do que o maior hit de sua carreira, a faixa-título do segundo e último álbum de estúdio de Amy é uma radiografia sem filtros de sua alma. A composição nasceu do primeiro e abrupto término com Blake Fielder-Civil, em 2005. Na época, Blake colocou um ponto final na relação por meio de uma mensagem de texto enquanto viajava, optando por reatar com uma ex-namorada. Enquanto ele seguia em frente, Amy mergulhava na escuridão — um contraste doloroso impresso nos versos onde ela canta sobre ser deixada para trás, presa às próprias sombras.

O impacto daquela rejeição foi o estopim para o agravamento da depressão da artista e de sua relação destrutiva com o álcool. No clássico videoclipe da canção, filmado em preto e branco, Amy encena o funeral do próprio coração, uma metáfora visual perfeita para o que vivia fora dos palcos.

O relacionamento com Blake, marcado por idas e vindas, culminou em um casamento em 2007 e no divórcio em 2009. Anos mais tarde, o próprio Blake admitiria publicamente ter apresentado a heroína à cantora, solidificando a tragédia que uniu amor, vício e genialidade artística. O retorno da música às paradas em 2026 apenas reitera que a dor transformada em arte por Amy Winehouse continua a ecoar com a mesma força do primeiro dia.

Com informações da Billboard Brasil

Quinteto de metais BrassUka desmistifica música de concerto

 

Foto: ISPAC/Divulgação

Aquela velha ideia de que a música de concerto é um universo rígido, silencioso e distante do grande público ganha um contraponto vibrante em Diadema (SP). No dia 20 de junho, sábado, às 20h, o Teatro Clara Nunes recebe o show “A Elegância dos Metais”, comandado pelo aclamado quinteto BrassUka. A apresentação faz parte da temporada 2026 do projeto Concertos Campestres, iniciativa que vem convertendo as noites da cidade do ABC paulista em sinônimos de democratização cultural.

Sob a direção artística do maestro Daniel Cornejo e realizado pelo ISPAC (Instituto São Paulo de Arte e Cultura), o projeto segue sua missão mensal: descer a música erudita do pedestal e misturá-la às raízes brasileiras de forma gratuita.

Dinamismo

Muitas vezes associados a um som puramente agressivo ou militar, os instrumentos de metal ganham contornos de sutiliza e extrema sofisticação nas mãos do BrassUka. Criado em 2011 por cinco amigos de longa data, o grupo — formado por Moisés Américo e Pedro Santos (trompetes), Eder Tavares (trompa), Agnaldo Gonçalves (trombone) e Marcos Tudeia (tuba) — já soma mais de 300 apresentações na bagagem.

O segredo do quinteto está na irreverência. A performance explora a versatilidade ao extremo, provando que a potência desses instrumentos pode coexistir perfeitamente com a doçura de uma canção popular.

Repertório

O programa escolhido para a noite do dia 20 reflete o ecletismo do projeto. Em vez de se fechar em um único período histórico, o BrassUka propõe uma viagem no tempo que conecta a Europa clássica aos morros e matas do Brasil.

O público será guiado por um roteiro sonoro que inclui os clássicos europeus, em obras do renascentista G. Gabrieli, a energia de Rossini e o drama de Tchaikovsky (sintetizado em um medley empolgante, que unirá a Abertura 1812 ao seu famoso Concerto para Piano nº 1). Além da identidade nacional, com a genialidade de Heitor Villa-Lobos em "O Trenzinho Caipira", e arranjos para hinos da nossa música popular, como "Carinhoso" (Pixinguinha) e "Aquarela do Brasil", de Ary Barroso.

“A ideia do projeto é aproximar as pessoas da música de um jeito mais direto e envolvente; mostrando que ela pode ser acessível e interessante para todo mundo. A cada edição, a gente busca trazer novos repertórios e formações que surpreendam o público e criem uma conexão verdadeira com quem está assistindo”, sublinha o produtor do Concertos Campestres, Thiago Catelani.

Serviço

• Evento: Concertos Campestres apresenta BrassUka em “A Elegância dos Metais”
• Data: 20 de junho de 2026 (Sábado)
• Horário: 20h
• Local: Teatro Clara Nunes (Diadema/SP)
• Entrada: Gratuita

Mostra "Música Artesanal" investiga a matéria-prima da Identidade Brasileira

 

Homem não identificado, tocando instrumento de sopro, c. 1970.
Foto: Thomaz Farkas/Acervo Instituto Moreira Salles 

Mãos que moldam as ferramentas da música brasileira. No dia 26 de julho, o Museu A CASA do Objeto Brasileiro, em São Paulo, abre as portas para a exposição “Música Artesanal”, uma imersão profunda no universo da lutheria nacional e na herança cultural que transforma madeira, couro e metal em patrimônio imaterial.

Com curadoria do renomado pianista e compositor Benjamim Taubkin — um dos nomes ligados à fundação da própria instituição —, a mostra marca também o reencontro do público com o museu, que passou por reformas recentes de modernização e ampliação de acessibilidade.

O elo perdido de Mário de Andrade

O destaque histórico da exposição é a conexão direta com a célebre Missão de Pesquisas Folclóricas de 1938, uma expedição idealizada por Mário de Andrade que percorreu o Norte e o Nordeste, para mapear as manifestações artísticas e religiosas do país.

Cinco peças históricas coletadas durante aquela jornada foram resgatadas do acervo do Centro Cultural São Paulo (CCSP) e serão exibidas ao público. O diálogo entre o passado e o presente é costurado por registros iconográficos raros de fotógrafos como Thomaz Farkas, Marcel Gautherot e Miriam Bisilliat, cedidos pelo Instituto Moreira Salles (IMS).

Criança tocando atabaque, 1990-1999. Pelourinho – Salvador - BA
Foto: Acervo Walter Firmo/ Instituto Moreira Salles 

“A música brasileira nasce de muitos encontros: de culturas, territórios, matérias e modos de fazer. A exposição procura mostrar justamente esse elo entre o gesto artesanal e a construção da nossa identidade sonora. Os instrumentos carregam histórias e formas de conhecimento transmitidas entre gerações”, ressalta o curador Benjamim Taubkin.

Infinitos ritmos

A narrativa da mostra se apoia na espinha dorsal de quatro instrumentos fundamentais da nossa tradição. Para dar vida a esse recorte, Taubkin convidou quatro mestres artesãos contemporâneos, cujos trabalhos ganham protagonismo na cena:  A viola caipira, por Régis Bonilha, destacando o berço da moda, do pagode caipira e do repente; a rabeca, por Adam Bahrami, com o arco que conduz o fandango, o baião e o forró; o pífano, por Alexandre Rodrigues: o sopro que conecta as tradições indígenas e as bandas de pífano do interior; além do atabaque e da percussão de Luiz Poeira, ecoando o maracatu, o samba, a congada, o ijexá e o frevo.

Além das peças criadas exclusivamente para o projeto, a experiência visual é complementada por um vídeo inédito, dirigido pelo curador em parceria com Kabé Pinheiro e Laís Branco (Produtora VMD).

 Oficinas

Para além das vitrines, "Música Artesanal" se propõe a ser um espaço de troca ativa. Ao longo do período expositivo, que vai até 18 de outubro, o museu sediará debates e vivências práticas gratuitas, onde os visitantes poderão aprender diretamente com os luthiers convidados.

Serviço 

Cavalo Marinho, festa popular, 1957. Recife - PE

Foto: Marcel Gautherot/Acervo Instituto Moreira Salles. 

• Período da exposição: 26 de julho a 18 de outubro de 2026.
• Funcionamento: Quarta a domingo, das 10h às 18h.
• Entrada: Gratuita.
• Local: Museu A CASA do Objeto Brasileiro (Av. Pedroso de Morais, 1.216, São Paulo - SP).

A música sem fronteiras de Lívia Mattos

📸 @anaraquelfoto/Instagram

Por Saulo Andrade

Entre a lona e o fole. Dizer que Lívia Mattos é acordeonista, cantautora e socióloga é resumir apenas uma parte da engrenagem. Para entender a sua assinatura, é preciso olhar para o picadeiro. Foi no circo que a artista soteropolitana descobriu a sanfona — não apenas como instrumento, mas como um potente recurso cênico. Dali para a criação de performances vertiginosas como a "Sanfona Aérea" e a "A Sanfonástica Mulher-lona", foi um salto natural.

Com mais de 15 anos de estrada solo, Lívia construiu uma trajetória que ignora fronteiras geográficas e estéticas. Já levou sua música para festivais internacionais, integrou a banda de Chico César, dialogou com Rosa Passos e Badi Assad, e chegou a solar com a Orquestra Sinfônica da Bahia. Sua busca é sempre pela vanguarda. Essa inquietação transborda no álbum "Verve" (2025), onde a tradicional sanfona nordestina se joga na microtonalidade, acompanhada por uma cozinha inusitada de tuba e bateria, com flertes de drum and bass. O milagre do trabalho está em fazer essa costura audaciosa, sem perder o sotaque nordestino.

 Picadeiro 

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Toda essa ousadia estética encontra sua gênese há cerca de duas décadas, sob a lona do Circo Picolino, em Salvador (BA). Para Lívia, o espaço foi uma escola de liberdade artística, moldada por uma estética profundamente antropofágica e tropicalista. A decisão de trilhar esse caminho veio após o impacto de assistir a um espetáculo circense, construído sobre a obra de Glauber Rocha. "Ali, eu senti que era aquilo que eu queria fazer da vida. E o 'aquilo' era uma mistura de linguagens: circo, poesia, cinema, música, dança, teatro, etc. [...] Acho que aprendi a ser artista nesse circo que ousava sempre, em experimentar na forma de criar, nos limites — se é que há — do que é circo", ressalta a artista.

Essa vivência moldou uma postura de constante enfrentamento e resistência. Em um cenário musical onde a sanfona no Brasil é historicamente associada ao universo masculino, Lívia imprime sua própria leitura autoral. "Tocar um instrumento tão estigmatizado, saindo de caminhos mais óbvios, mas sem negá-los, borrando as arestas, sendo mulher, compositora, cantora, sem abrir mão do meu corpo, aliás, amalgamando ele ao meu fole, é um ato de resistência, é um ato político, é um enfrentamento", sublinha. 

 Referências

📸 @bendorosario/Instagram

Embora tenha consolidado sua carreira solo, Lívia faz questão de ressaltar que suas raízes no circo, no forró e a parceria com Chico César nunca foram abandonadas. A transição para a liderança dos palcos não se deu por um rompimento drástico, mas pelo amadurecimento natural de sua própria demanda artística, enquanto atuava como 'side woman'. "Fui experimentando e construindo, paralelamente, ao mesmo tempo, aproveitando a colaboração com artistas como Chico, Badi Assad, Ceumar, Alessandra Leão, Rosa Passos, entre outros, como uma esponja, me inspirando nessas referências e descobrindo meu caminho de composição, de arranjo, de poética, de sonoridade", enumera a musicista. 

Power trio

O amadurecimento dessa jornada culminou no recente álbum "Verve" (2025). O coração do novo disco bate no ritmo de um power trio inusitado, formado por Lívia, Jefferson Babu (tuba) e Rafael dos Santos (bateria). Juntos na estrada há quase uma década, os músicos vinham maturando essa formação, desde 2019: 

"O processo do álbum "Verve" foi um aprofundamento de pesquisa de linguagem do trio muito intenso e bonito; um mergulho de cabeça, não só nessa concisão da formação, mas também na maturação dessa temperatura, entre o Vinha da Ida e o Apneia, nessa invenção de um não-lugar, no estabelecimento dessa proposta não óbvia".

Sem fronteiras 

Essa universalidade, sem amarras, tem levado o som de Lívia a transpor barreiras geográficas, com shows marcados no Senegal e turnês europeias. Mas cruzar fronteiras também significa driblar as expectativas do mercado externo e as tentativas de categorização por meio de estereótipos. Para isso, ela propõe pensar a sanfona quase como outro instrumento, inserida em arranjos curiosos e fora dos padrões comerciais.

📸 @bendorosario/Instagram

 "Como representante da sanfona brasileira, sinto que meu papel é essa mirada do contemporâneo que não precisa romper com o 'de onde se vem', que amalgama memórias, trânsitos e transcria, em cima de tudo isso. A minha sanfona é brasileira e aberta ao mundo, na compreensão da diversidade como a maior beleza da humanidade. O diverso me inspira, me faz pensar diferente, criar diferente e ir desvendando essa minha identidade, que é móvel, dinâmica, porosa", conclui a instrumentista. 

Da crítica ambiental ao misticismo, Strigah estreia com álbum "Zoetia"

Fotos: _jmiguelr_ (divulgação)

A cena do metal nacional ganha um novo e robusto capítulo com a estreia oficial da banda paulistana Strigah. Chegando às plataformas de streaming pelo selo Coffinjoe Records, o quarteto lança Zoetia, um trabalho de fôlego que consolida a identidade do grupo em uma intersecção ambiciosa entre metal moderno, prog, industrial e música experimental.

O título do disco é um neologismo que sintetiza a proposta conceitual do projeto: a junção de zoe (vida) e goetia (feitiço). Esse "feitiço da vida" se traduz em um repertório denso, guiado pela tensão constante entre a revolta contra o colapso moderno, a defesa ecológica e a busca por uma conexão espiritual profunda.

A Strigah é formada por Kaio Felipe (vocal), Samanta Tica (baixo), Eleonardo de Paula (bateria) e Matheus Figueredo (guitarra).

Musicalmente, Zoetia foge do previsível. O álbum desafia o ouvinte com estruturas complexas repletas de grooves, polirritmias e quebras de tempo, mas sem abrir mão do equilíbrio: há espaço generoso para passagens melódicas, vozes ecoadas e atmosferas profundas que potencializam o peso de cada composição.

De acordo com os integrantes, o trabalho foi desenhado sob uma lógica própria, voltado para quem busca um metal autêntico e fora dos moldes tradicionais. O ecletismo da banda se reflete em suas influências declaradas, que vão do peso internacional de Meshuggah, Fear Factory e Deftones, à efervescência de nomes do underground nacional, como Deafkids e Última Theoria.

Tratado sobre ambientes

Mais do que uma coleção de faixas isoladas, as letras funcionam como um tratado que investiga cinco frentes: o ambiente natural, a cidade hostil, o espaço virtual, o íntimo do sujeito e o território espiritual.

As composições se destacam pelo forte teor político, filosófico e místico. O grupo bebe de fontes que vão do gnosticismo e da cabala judaica a citações diretas de grandes lideranças indígenas brasileiras, como Ailton Krenak e Davi Kopenawa.

Dentre as músicas de destaca, “A Propriedade é Roubo” abre o debate sobre o latifúndio e a exploração da terra, homenageando defensores da floresta como Bruno Pereira, Dom Phillips e Dorothy Stang.

Em “Xamanismo Urbano”, há uma forte crítica anticolonial, que conecta o agronegócio e a destruição da Amazônia ao distanciamento humano da ancestralidade.

“Espírito da Cidade” retrata o cenário urbano caótico, através de imagens de repressão policial, controle e violência de classe.
A música “Florestas Digitais” analisa a alienação da vida mediada por teles, redes e o esgotamento do tempo.

Produção

O refinamento técnico de Zoetia conta com mixagem e masterização assinadas por Yukio Hara, arte de capa por Jennifer Erny e fotografias do grupo feitas por Chev. Os conteúdos audiovisuais levam o selo da RageBox Prod.

Celebrando este momento de afirmação artística, a Strigah já se prepara para levar o novo repertório aos palcos. A banda fará um show de apresentação de Zoetia no Hot Pub, em Santo André (SP). A performance será gravada ao vivo e se transformará em um videoclipe oficial, com lançamento previsto para o final de julho.

Arte de capa: @j.3rny

O álbum Zoetia já está disponível em todas as plataformas digitais e pode ser acessado pelo link oficial da banda: found.ee/strigah_zoetia.

​“Isso Não É Jazz” invade Rio das Ostras

Fotos: Kelly Oliveira/divulgação

Quem frequenta a região da Lagoa do Iriry durante o tradicional circuito de jazz e blues de Rio das Ostras sabe que a efervescência artística da cidade vai muito além dos palcos oficiais. É nesse cenário alternativo que se consolidou o projeto independente “Isso Não É Jazz & Blues”, que chega em 2026 à sua sexta edição, reafirmando sua identidade como um espaço vital de ocupação cultural, liberdade criativa e fortalecimento da produção regional.

Idealizado pelo músico Diogo Spadaro, o projeto nasceu como uma provocação. O objetivo sempre foi provar a existência de uma cena artística local pulsante, que se mantém ativa ao longo de todo o ano, e não apenas no período do festival principal — considerado o maior do gênero, na América Latina.

"Queremos criar espaços de encontro, improviso, experimentação e convivência entre artistas e público", destacou Spadaro.

Fomento 

A edição deste ano traz um marco especial: a conquista de recursos por meio da Política Nacional Aldir Blanc (PNAB), viabilizada pelo Governo Federal, via Ministério da Cultura. O apoio financeiro expande as possibilidades de fomento à cultura autoral da região e fortalece a infraestrutura técnica das apresentações.

As exibições musicais acontecem nos dias 4, 5 e 6 de junho, a partir das 15h, no Quiosque NKR (localizado logo ao lado do palco oficial da Lagoa do Iriry).

A linha de frente das apresentações será comandada por três cantoras de destaque da cena local: Thati Dias, na quinta-feira (4), Cláudia Falcão, na sexta (5), e Raquel Dimar, no sábado (6). 

As artistas se apresentarão acompanhadas pela Banda Freetração, grupo com sólida bagagem em jazz e música afro-diaspórica, formado por Diogo Spadaro (voz e guitarra), Denisson Caminha (bateria e SPD), Negão Jazz Bass (baixo), Brenddon Miranda (saxofone) e Sabatuk (percussão). Juntos, os músicos transformam cada show em uma experiência artística autêntica e construída em tempo real por meio do improviso.

O evento é aberto ao público e integra a programação cultural da cidade.

Mangueira supera marca de mil alunos em oficinas gratuitas de música e geração de renda

 

Fotos: divulgação 

Quilombo urbano focado em transformar histórias, resgatar trajetórias e pavimentar caminhos mais justos para o futuro, a Estação Primeira de Mangueira prova, mais uma vez, que o impacto de uma escola de samba ecoa muito além dos desfiles na Sapucaí. Tradicional polo de resistência cultural, a Verde e Rosa celebra, neste mês de maio, um marco histórico em suas Oficinas Carnavalescas: a atual edição superou a marca de mil alunos beneficiados, registrando o recorde absoluto de atendimentos do projeto.

As atividades, que seguem até sexta (29), ocupam a quadra da agremiação com uma proposta que une o resgate ancestral à urgência econômica: oferecer formação técnica gratuita e abrir portas para a geração de emprego e renda, priorizando moradores da comunidade e pessoas em situação de vulnerabilidade social

O projeto se destaca pela diversidade de seu escopo. Longe de se limitar aos bastidores do barracão, as oficinas abraçam a formação musical, a dança e o empreendedorismo estético. Quem frequenta a quadra tem a chance de aprender com quem vive o dia a dia da escola, integrando-se diretamente com os mestres da tradicional bateria da Mangueira.

O cardápio de atividades gratuitas inclui percussão; cavaquinho; violão; canto; samba no pé; dança afro; zumba; além de oficinas de tranças. "Mais do que ensinar um ofício, as oficinas devolvem esperança e mostram novos caminhos para quem muitas vezes não se sentia visto", reflete a presidenta da Mangueira, Guanayra Firmino.

Legado

Realizadas de forma contínua desde 2025, as Oficinas Carnavalescas se consolidaram como uma tecnologia social robusta, dentro da favela. Para a diretoria da escola, o resultado mais importante não está nos números frios do recorde, mas sim na emancipação de cada participante.

A iniciativa atua na base da dignidade humana, fortalecendo a autoestima e os vínculos comunitários em um território que frequentemente precisa criar suas próprias oportunidades, diante da ausência do Estado.

“Hoje, o foco é no resultado. Nos rostos, nas histórias e em cada certificado que representa conquista, aprendizado e transformação. Um registro afetivo do impacto que a gente constrói juntos, valorizando quem é da casa e fortalecendo o nosso futuro”, enfatiza Guanayra.

A travessia poética de Christine Valença entre Brasil e França

 

Fotos: Louis Emilie/divulgação

A cantora, compositora e multi-instrumentista carioca Christine Valença abre os caminhos para sua nova fase criativa em 2026, com o lançamento de “Sur Ton Île”. O single promove um sensível intercâmbio cultural entre o Brasil e a França, unindo a artista a três nomes de destaque da cena francesa: o rapper Verso, o cantor Félicien Adam e o instrumentista Luazó (parceiro de longa data da cantora).

A faixa transita com naturalidade entre o soul, a MPB, o folk e o pop alternativo. Misturando os idiomas português e francês, ritmos latinos e poesia urbana, a obra nasce como uma metáfora sobre conexões e o desejo de atravessar fronteiras. O lançamento também ganhou uma dimensão visual com um videoclipe gravado entre os momentos de estúdio e belas imagens do Rio de Janeiro.

Conexões 

A ligação de Christine com a França carrega traços afetivos e familiares: sua mãe, que também era cantora e compositora, viveu uma bem-sucedida residência artística em Paris, nos anos 80. Décadas depois, a história se conecta. O embrião do projeto surgiu no início de 2025, após apresentações da carioca na Europa e a oportunidade de focar no fortalecimento dessas parcerias por meio de editais do ano do Brasil na França.

O processo de gravação em estúdio funcionou como um verdadeiro "blind-date artístico", proposto pela gravadora French Light Records. Com apenas um fim de semana para criar e sem uma troca prévia de ideias, os músicos se guiaram pela intuição e por referências literárias de peso, levadas por Christine, como As Flores do Mal, de Baudelaire, e Ideias para Adiar o Fim do Mundo, de Ailton Krenak.

Desafios

Para a artista, o lançamento representa uma fuga saudável da complexa e hostil cena independente do Rio de Janeiro, além de um rompimento com as "câmaras de eco" e bolhas das redes sociais. Christine relembra que, no início da carreira, chegou a acreditar que só conseguiria espaço investindo recursos próprios na sua cidade natal. A reviravolta veio, ao arriscar um show solo em Lisboa, onde encontrou um público caloroso que validou sua identidade musical e deu forças para manter seu propósito.

"Sur Ton Île" funciona como o grande motor e a principal inspiração para o próximo passo da carreira de Christine Valença: um EP autoral e recheado de novas experimentações que já está a caminho.