​“Isso Não É Jazz” invade Rio das Ostras

Fotos: Kelly Oliveira/divulgação

Quem frequenta a região da Lagoa do Iriry durante o tradicional circuito de jazz e blues de Rio das Ostras sabe que a efervescência artística da cidade vai muito além dos palcos oficiais. É nesse cenário alternativo que se consolidou o projeto independente “Isso Não É Jazz & Blues”, que chega em 2026 à sua sexta edição, reafirmando sua identidade como um espaço vital de ocupação cultural, liberdade criativa e fortalecimento da produção regional.

Idealizado pelo músico Diogo Spadaro, o projeto nasceu como uma provocação. O objetivo sempre foi provar a existência de uma cena artística local pulsante, que se mantém ativa ao longo de todo o ano, e não apenas no período do festival principal — considerado o maior do gênero, na América Latina.

"Queremos criar espaços de encontro, improviso, experimentação e convivência entre artistas e público", destacou Spadaro.

Fomento 

A edição deste ano traz um marco especial: a conquista de recursos por meio da Política Nacional Aldir Blanc (PNAB), viabilizada pelo Governo Federal, via Ministério da Cultura. O apoio financeiro expande as possibilidades de fomento à cultura autoral da região e fortalece a infraestrutura técnica das apresentações.

As exibições musicais acontecem nos dias 4, 5 e 6 de junho, a partir das 15h, no Quiosque NKR (localizado logo ao lado do palco oficial da Lagoa do Iriry).

A linha de frente das apresentações será comandada por três cantoras de destaque da cena local: Thati Dias, na quinta-feira (4), Cláudia Falcão, na sexta (5), e Raquel Dimar, no sábado (6). 

As artistas se apresentarão acompanhadas pela Banda Freetração, grupo com sólida bagagem em jazz e música afro-diaspórica, formado por Diogo Spadaro (voz e guitarra), Denisson Caminha (bateria e SPD), Negão Jazz Bass (baixo), Brenddon Miranda (saxofone) e Sabatuk (percussão). Juntos, os músicos transformam cada show em uma experiência artística autêntica e construída em tempo real por meio do improviso.

O evento é aberto ao público e integra a programação cultural da cidade.

Mangueira supera marca de mil alunos em oficinas gratuitas de música e geração de renda

 

Fotos: divulgação 

Quilombo urbano focado em transformar histórias, resgatar trajetórias e pavimentar caminhos mais justos para o futuro, a Estação Primeira de Mangueira prova, mais uma vez, que o impacto de uma escola de samba ecoa muito além dos desfiles na Sapucaí. Tradicional polo de resistência cultural, a Verde e Rosa celebra, neste mês de maio, um marco histórico em suas Oficinas Carnavalescas: a atual edição superou a marca de mil alunos beneficiados, registrando o recorde absoluto de atendimentos do projeto.

As atividades, que seguem até sexta (29), ocupam a quadra da agremiação com uma proposta que une o resgate ancestral à urgência econômica: oferecer formação técnica gratuita e abrir portas para a geração de emprego e renda, priorizando moradores da comunidade e pessoas em situação de vulnerabilidade social

O projeto se destaca pela diversidade de seu escopo. Longe de se limitar aos bastidores do barracão, as oficinas abraçam a formação musical, a dança e o empreendedorismo estético. Quem frequenta a quadra tem a chance de aprender com quem vive o dia a dia da escola, integrando-se diretamente com os mestres da tradicional bateria da Mangueira.

O cardápio de atividades gratuitas inclui percussão; cavaquinho; violão; canto; samba no pé; dança afro; zumba; além de oficinas de tranças. "Mais do que ensinar um ofício, as oficinas devolvem esperança e mostram novos caminhos para quem muitas vezes não se sentia visto", reflete a presidenta da Mangueira, Guanayra Firmino.

Legado

Realizadas de forma contínua desde 2025, as Oficinas Carnavalescas se consolidaram como uma tecnologia social robusta, dentro da favela. Para a diretoria da escola, o resultado mais importante não está nos números frios do recorde, mas sim na emancipação de cada participante.

A iniciativa atua na base da dignidade humana, fortalecendo a autoestima e os vínculos comunitários em um território que frequentemente precisa criar suas próprias oportunidades, diante da ausência do Estado.

“Hoje, o foco é no resultado. Nos rostos, nas histórias e em cada certificado que representa conquista, aprendizado e transformação. Um registro afetivo do impacto que a gente constrói juntos, valorizando quem é da casa e fortalecendo o nosso futuro”, enfatiza Guanayra.

A travessia poética de Christine Valença entre Brasil e França

 

Fotos: Louis Emilie/divulgação

A cantora, compositora e multi-instrumentista carioca Christine Valença abre os caminhos para sua nova fase criativa em 2026, com o lançamento de “Sur Ton Île”. O single promove um sensível intercâmbio cultural entre o Brasil e a França, unindo a artista a três nomes de destaque da cena francesa: o rapper Verso, o cantor Félicien Adam e o instrumentista Luazó (parceiro de longa data da cantora).

A faixa transita com naturalidade entre o soul, a MPB, o folk e o pop alternativo. Misturando os idiomas português e francês, ritmos latinos e poesia urbana, a obra nasce como uma metáfora sobre conexões e o desejo de atravessar fronteiras. O lançamento também ganhou uma dimensão visual com um videoclipe gravado entre os momentos de estúdio e belas imagens do Rio de Janeiro.

Conexões 

A ligação de Christine com a França carrega traços afetivos e familiares: sua mãe, que também era cantora e compositora, viveu uma bem-sucedida residência artística em Paris, nos anos 80. Décadas depois, a história se conecta. O embrião do projeto surgiu no início de 2025, após apresentações da carioca na Europa e a oportunidade de focar no fortalecimento dessas parcerias por meio de editais do ano do Brasil na França.

O processo de gravação em estúdio funcionou como um verdadeiro "blind-date artístico", proposto pela gravadora French Light Records. Com apenas um fim de semana para criar e sem uma troca prévia de ideias, os músicos se guiaram pela intuição e por referências literárias de peso, levadas por Christine, como As Flores do Mal, de Baudelaire, e Ideias para Adiar o Fim do Mundo, de Ailton Krenak.

Desafios

Para a artista, o lançamento representa uma fuga saudável da complexa e hostil cena independente do Rio de Janeiro, além de um rompimento com as "câmaras de eco" e bolhas das redes sociais. Christine relembra que, no início da carreira, chegou a acreditar que só conseguiria espaço investindo recursos próprios na sua cidade natal. A reviravolta veio, ao arriscar um show solo em Lisboa, onde encontrou um público caloroso que validou sua identidade musical e deu forças para manter seu propósito.

"Sur Ton Île" funciona como o grande motor e a principal inspiração para o próximo passo da carreira de Christine Valença: um EP autoral e recheado de novas experimentações que já está a caminho.

A conexão mágica de Carlos Malta e Dave Matthews

Brasileiro celebra 50 anos de carreira com participação em turnê americana 

Fotos: reprodução/Instagram 

O multi-instrumentista brasileiro Carlos Malta, consagrado internacionalmente por suas colaborações com grandes ícones da música nacional, vive um momento de celebração. Comemorando cinco décadas de trajetória artística, o músico cumpre uma agenda intensa de compromissos no Brasil e no exterior. Entre os marcos recentes deste ciclo comemorativo estão uma apresentação ao lado da Orquestra Brazil Jazz Sinfônica, em São Paulo, e o relançamento de seu primeiro álbum solo, O escultor do vento. Além disso, o mês de maio reservou ao artista um convite especial para uma apresentação em palcos internacionais.

Nesta sexta (29) e sábado (30), Malta subirá ao palco do iTHINK Financial Amphitheatre, na Flórida (EUA), como convidado de Dave Matthews, na Summer Tour 2026. A parceria e a amizade entre os dois músicos são antigas e vêm se consolidando, ao longo dos anos. A primeira colaboração ocorreu em 2008, quando Malta participou do álbum Live in Rio, lançado pela Sony Music, tocando nas faixas #43 e Say Goodbye.

Desde então, os encontros no palco tornaram-se frequentes, com registros em apresentações no Rio de Janeiro (2010 e 2013), na Flórida (2011), em New Jersey (2012), em Seattle (2016) e no México (2018 e 2019). Essa conexão recorrente entre o instrumentista brasileiro e a banda norte-americana reflete uma aproximação de universos musicais que se complementam, com forte destaque para a liberdade criativa, a improvisação e a fusão de estilos.

Orquestra Filarmônica Metropolitana abre celebrações de Corpus Christi em São Gonçalo

  

Foto: Jéssica Borges/divulgação 

A união entre música erudita, fé e resgate histórico promete emocionar os moradores de São Gonçalo, na próxima segunda-feira (1º). Às 20h, a Paróquia São Gonçalo de Amarante (Igreja Matriz) será o palco do tradicional Concerto Sacro – Série Ametista, apresentado pela Orquestra Filarmônica Metropolitana (OFM). O evento gratuito marca a abertura oficial da aguardada semana de Corpus Christi na cidade.

O espetáculo, que já completa cinco anos de história, consolidou-se no calendário oficial local. Mais do que um concerto, a Série Ametista propõe um diálogo sensível com a identidade local, trazendo um repertório focado em composições religiosas que tocam a memória coletiva e a espiritualidade do público.

Fé e cultura 

A apresentação ocorre em um momento de forte sinergia cultural para São Gonçalo. É durante esta semana que a paróquia mobiliza centenas de voluntários, moradores e artistas para confeccionar o famoso tapete de sal — considerado o maior da América Latina e uma das principais expressões de devoção do estado.

Para Rafael Vieira, ativista social e fundador do Instituto dos Sonhos, o concerto funciona como uma ponte fundamental. 

 "Esse concerto representa um encontro entre arte, espiritualidade e identidade cultural. A cada edição, percebemos o quanto a música sacra aproxima o público da experiência coletiva proporcionada pelo período de Corpus Christi em São Gonçalo".

O maestro Gustavo Fernandes reforça o papel social do projeto, destacando o compromisso do conjunto com a democratização do acesso à música clássica.

"Levar a Série Ametista para a Igreja Matriz, durante a abertura dos festejos de Corpus Christi, reforça nosso compromisso com a valorização do patrimônio cultural e o acesso da população à música de concerto", afirma o regente.

Com duração aproximada de 60 minutos e classificação etária livre, o evento é totalmente voltado para a comunidade e entusiastas da música sacra. A expectativa dos organizadores é receber um público estimado de 350 pessoas.

Embora a entrada seja franca, os interessados devem retirar seus ingressos antecipadamente pela internet.

Serviço:

 * Evento: Concerto Sacro – Série Ametista (Orquestra Filarmônica Metropolitana)

 * Data: 01 de junho de 2026 (segunda-feira)

 * Horário: 20h

 * Local: Paróquia São Gonçalo de Amarante (Igreja Matriz)

 * Endereço: Alameda Pio XII, 86 – Centro, São Gonçalo - RJ

 * Duração: 60 minutos

 * Classificação: livre

 * Ingressos: gratuitos, disponíveis via Sympla.

Como o lofi abraçou o baião no Sleep Tales Music Lab

 

Artistas criando juntos no Sleep Tales Music Lab (Fotos: Mateus Montoni)

A Vanguarda dos Beats Brota na Serra. O lofi e o wellness audio — aquela tapeçaria sonora moldada para curar a insônia ou embalar horas de estudo — costumam ser injustamente rotulados como estáticos. Mas o que acontece quando você arranca nove produtores de suas rotinas solitárias, em telas de computador, e os tranca em um casarão na região serrana do Rio de Janeiro? A resposta é uma revolução silenciosa, com sotaque brasileiro e reverberação global.

Entre os dias 11 e 15 de maio de 2026, a serra fluminense virou o epicentro da primeira residência da América Latina dedicada exclusivamente à experimentação de beats: o Sleep Tales Music Lab. Idealizado pela Sleep Tales — gigante brasileira que hoje ostenta o título de maior selo do gênero fora da Europa —, o intercâmbio reuniu mentes criativas dos Estados Unidos, Bélgica, Inglaterra e de vários cantos do Brasil.

O resultado do isolamento criativo foi avassalador. Em apenas três dias de imersão analógica e digital, operando em três estúdios simultâneos, com esquemas de rodízio, os artistas pariram mais de 20 faixas inéditas.

Choque cultural

Se o mercado internacional já está acostumado a samplear os clichês da bossa nova, o Music Lab tratou de implodir o óbvio. Os gringos foram apresentados à complexidade percussiva e melódica do Nordeste e da MPB contemporânea.

"Apresentei Luiz Gonzaga, Lenine, o baião... Ver a reação deles assimilando essa dinâmica instrumental e aplicando nos arranjos foi animal", conta Ricardo Schneider, A&R da Sleep Tales. "O Brasil provou aqui que é uma relevância mundial para a música de invenção de forma geral".

A tradicional "cozinha" eletrônica do lofi ganhou texturas orgânicas e subgêneros híbridos. Da fusão, nasceram faixas que equilibram a calmaria necessária para o foco com construções harmônicas densas, flertando abertamente com o jazz, o ambient e o downtempo.

Algoritmos

Para os produtores estrangeiros, a experiência na serra fluminense funcionou também como um manifesto de descompressão. Longe da urgência mercantilista das capitais europeias e americanas, a música voltou a ser fruto do afeto.

A artista inglesa Bella Band sintetizou o choque de realidade:

"Em Londres, sinto que você sempre precisa fazer a música que está ditando a tendência do momento. No Brasil, há um background musical absurdamente rico... É um lugar musicalmente plural, vibrante e livre".

O material gerado na imersão já está em fase de pós-produção e lapidação. No segundo semestre de 2026, o mundo vai conhecer o álbum Sleep Tales Music Lab Vol. 01, que chegará acompanhado de um pequeno documentário, registrando os bastidores desse encontro histórico.

Nascida no sufoco da pandemia, em 2021, pelas mãos de Daniel Sander (sob o pseudônimo colours in the dark), a Sleep Tales hoje bate a marca de 45 milhões de plays mensais e é curadora oficial da Apple Music.

Loulu Gilberto lança álbum em homenagem ao legado do pai João

 

Foto: Bob Wolfenson/reprodução (Instagram)

Ecos da Bossa. Após passar a infância e a adolescência resistindo à ideia de seguir os passos do pai, Loulu Gilberto (nome artístico de Luisa Carolina Gilberto) lança seu álbum de estreia, mergulhando profundamente nas raízes musicais da Bossa Nova e da era de ouro do rádio. O trabalho é uma celebração e um resgate íntimo da convivência com João Gilberto, um dos maiores ícones da música mundial, falecido em 2019.

O projeto nasceu do desejo de Loulu de homenagear a memória paterna, através de canções que marcaram a infância dela. O repertório é composto por músicas das décadas de 1930, 1940 e 1950, que João costumava cantar em casa. Entre as 12 faixas do álbum lançado pela Sony, destaca-se "O amor nos encontrou", uma composição de Carlos Lyra e Ronaldo Bôscoli, que João Gilberto cantava como cantiga de ninar para a filha e que ganha agora seu primeiro registro oficial.

No início, a trajetória de Luísa na música foi cercada de hesitação. Em entrevista ao jornal "O Globo" deste sábado (23), o violonista e professor Cezar Mendes relembra que, quando ela tinha cerca de 13 anos, João Gilberto a levou para ter aulas de violão, prevendo o talento da filha. João chegou a dizer que se tratava da "maior cantora do mundo". Adestrada pelo pai, as "divisões do canto" de Loulu, de acordo com Mendes, "são muito parecidas" com as do pai. 

Apesar de ter relutado durante anos e focado inicialmente nos estudos de cinema e teatro, a herança musical acabou falando mais alto. Com o incentivo de nomes como o próprio Cezar Mendes, o músico Mario Adnet e a jornalista Cláudia Faisol, Loulu superou o receio e aceitou o desafio de soltar a voz. O produtor Mario Adnet destaca que ela possui um timbre bonito e uma divisão rítmica sofisticada, características que remetem diretamente à suavidade e precisão de Astrud Gilberto, primeira esposa de João.

O álbum conta com arranjos sofisticados que resgatam clássicos como "Manias" (Flávio Cavalcanti e Celso Cavalcanti), "Beija-me" (Mário Rossi e Roberto Martins) e composições de Aníbal Augusto Sardinha, o Garoto. A obra fecha com uma junção afetiva de duas faixas, gravadas de forma caseira por João Gilberto para a filha na infância.

Com este lançamento, Loulu Gilberto não apenas preserva um acervo afetivo e inédito, mas também assume seu lugar na cena musical brasileira, transformando o "eco da voz paterna" em uma identidade artística própria e autêntica.

*Com informações do jornal "O Globo".

Como a voz de Amália Rodrigues voltará a ecoar ao vivo nos palcos

Foto: Reprodução/Wikimedia Commons

O mito do fado vive. A genialidade de Amália Rodrigues, maior ícone da história da música portuguesa, ganha as telas e os palcos brasileiros em uma experiência artística inédita. O espetáculo Amália Rodrigues Sinfônico desembarca no país para uma miniturnê, que promete emocionar o público ao fundir o fado tradicional com a imponência de uma orquestra ao vivo.

Sob a direção do maestro francês Laurent Rossi, o concerto utiliza registros de voz originais da fadista, cuidadosamente restaurados e extraídos de arquivos históricos. Essa joia sonora se une à performance de uma sinfônica, ao acompanhamento de um trio instrumental típico de Portugal e à participação especial da cantora contemporânea Anabela. O espetáculo ganha contornos ainda mais sensíveis, com projeções audiovisuais de imagens raras da artista, criando uma atmosfera imersiva que exalta clássicos eternos como Barco Negro, Foi Deus e Uma Casa Portuguesa.

O projeto, que conta com o selo de autenticidade da Fundação Amália Rodrigues, inicia sua trajetória por São Paulo, no dia 23 de maio, no Teatro Bradesco. Em seguida, a caravana musical ruma para Belo Horizonte, com apresentação no Palácio das Artes, no dia 26 de maio. O encerramento da turnê em solo brasileiro ocorre no histórico Theatro Municipal do Rio de Janeiro, na noite de 28 de maio. Os ingressos para as apresentações já estão disponíveis nas plataformas digitais correspondentes a cada teatro.

Serviço: 

São Paulo: 23 de maio no Teatro Bradesco (Ingressos via Uhuu, a partir de R$ 150,00)

Belo Horizonte: 26 de maio no Palácio das Artes (Ingressos via Sympla)

Rio de Janeiro: 28 de maio no Theatro Municipal do Rio de Janeiro (Ingressos via Ticket360, a partir de R$ 110,00)

Talentos locais e muito samba comandam festa sem custo em São Gonçalo

Foto: divulgação

A cena cultural de São Gonçalo se prepara para um fim de semana de muita efervescência e, o melhor: sem pesar no bolso. A cidade recebe duas grandes atrações gratuitas, que prometem agradar tanto quem busca descobrir novas composições quanto quem não dispensa uma boa roda de samba, para encerrar a semana.

O grande destaque fica por conta da segunda edição do Festival de Música Autoral de São Gonçalo, o Femasg, que ocupa o Teatro Municipal no sábado (23) e no domingo (24), das 16h às 22h. O evento surge como uma vitrine essencial para os compositores locais, promovendo intercâmbio artístico e revelando novos talentos da região. Além de se apresentarem para o público, os participantes concorrem a premiações para os cinco primeiros colocados. O grande vencedor da categoria Melhor Música garante a gravação de um videoclipe profissional. Para garantir o acesso ao teatro, os interessados devem retirar os ingressos de forma antecipada pela plataforma Sympla.

Para quem prefere a descontração do samba de raiz, o domingo reserva diversão garantida a partir das 13h. O Centro de Tradições Nordestinas, em Neves, serve de palco para mais uma edição do Samba da Feira de Neves. Após o sucesso absoluto da estreia no último final de semana, o evento retorna com uma programação recheada de pagode e samba, consolidando o espaço como um ponto de encontro ideal para famílias e amigos que desejam aproveitar a tarde de domingo.

Fernando Moura celebra 50 anos de carreira com show e lançamento de álbum histórico

Fernando Moura (foto: Divulgação)

A efervescência cultural que moldou o Rio de Janeiro no final da década de 1980 está prestes a ganhar um novo capítulo. No dia 28 (quinta), o Teatro Brigitte Blair, em Copacabana, será o cenário de uma verdadeira viagem no tempo, liderada pelo multi-instrumentista Fernando Moura. O show celebra o lançamento em vinil e nas plataformas digitais do álbum "Ipanema 87 (ao vivo)", um registro raro que passou quase quatro décadas guardado em fitas cassete.

O material original foi gravado em 1987, durante apresentações no Teatro Cândido Mendes. Esquecidas por 38 anos, as fitas que capturaram a energia de músicos com menos de 30 anos foram recentemente reencontradas. Para recuperar o áudio, sem perder a autenticidade da época, a produção utilizou recursos modernos de inteligência artificial, conseguindo isolar e reequilibrar cada instrumento. O resultado é um mergulho na era em que a MPB, o rock nascente e o jazz se misturavam na noite carioca.

(foto: Ricardo Elkind – in memorian) – Fernando Moura

Bagagem 

O evento ganha ainda mais relevância por coincidir com a celebração dos 50 anos de carreira de Fernando Moura. Nome de peso nos bastidores e nos palcos da música brasileira, o arranjador e compositor acumula colaborações com gigantes como Marisa Monte, Moraes Moreira e Zé Ramalho, além de conexões internacionais que vão de Chuck Berry a George Martin, o lendário produtor dos Beatles.

Sua assinatura artística também se estende por mais de 40 álbuns, trilhas para cerca de 30 longas-metragens e composições marcantes para o teatro nacional, mantendo uma produtividade intensa que hoje se divide entre o Brasil e o Japão.

Reencontro

Para o show comemorativo, Moura divide o palco com Rodrigo Campello (guitarra), Ronaldo Diamante (baixo), C. A. Ferrari (bateria) e Jovi Joviniano (percussão), além de David Ganc, no saxofone. O repertório promete ir além das faixas instrumentais recuperadas do vinil, incluindo releituras de Henry Mancini e uma versão surpresa de um clássico dos Beatles.

O evento é um convite para testemunhar o elo entre o passado analógico e a tecnologia atual, celebrando a assinatura de um dos grandes arquitetos do som contemporâneo do país.

Serviço

Evento: Fernando Moura – “Ipanema 87 (ao vivo) – 50 anos de carreira”

Data: 28 de maio

Horário: 20h

Local: Teatro Brigitte Blair (Rua Miguel Lemos, 51-H – Copacabana, Rio de Janeiro)

Ingressos: R$ 60,00 (meia-entrada) e R$ 120,00 (inteira, com direito a um vinil) via Sympla

Classificação: 10 anos

Espetáculo reconta quase dois séculos de saxofone em Diadema

Fotos: Robs Borges/divulgação

Bálsamo em sopros. O Teatro Clara Nunes, de Diadema (SP), sediará, neste sábado (23), às 20h, o terceiro espetáculo da temporada Concertos Campestres. Após registrar lotação máxima na edição anterior, o projeto traz ao município paulista os instrumentistas integrantes do renomado quarteto Cia Sax.

Sob coordenação artística do maestro Daniel Cornejo, a performance intitula-se “180 anos de história do saxofone”. A proposta guiará os espectadores por uma linha temporal inventiva, partindo da gênese desse sopro, perpassando arranjos clássicos até alcançar composições eruditas contemporâneas nacionais.

Visando democratizar expressões artísticas, a exibição contará com explicações didáticas conduzidas pelo próprio regente e também por Alan Moraes, mestre de cerimônias. Thiago Catelani, produtor executivo da iniciativa, ressalta que o propósito central consiste em gerar conexões genuínas junto ao público regional através de repertórios surpreendentes.

Fundado em 2017, o grupo reúne Samuel Alves, Gabriel Vinícius, Matheus Carvalho e o citado diretor. Os ingressos para o evento são de graça e estão disponíveis virtualmente via Sympla. Podem também ser retirados diretamente, na bilheteria local, uma hora antes.